プロフィール
作曲家、ピアニスト、音楽プロデューサー。国立東京芸術大学大学院修士課程修了後、セッション・ミュージシャンとなる。細野晴臣、高橋幸宏と知り合い、細野の提案でイエロー・マジック・オーケストラ（YMO）を結成。YMOは日本で大成功を収め、世界中に知られるようになった。YMOはクラフトワーク、ディーヴォ、テレックスと並ぶシンセ・ポップ、テクノ・ポップの先駆者だった。作曲家としてのキャリアも同時にスタートし、『メリー・クリスマス Mr.ローレンス』や『ラスト・エンペラー』のサウンドトラックでその名を世界に知らしめた。両作品には俳優としても出演している。
1987年にニューヨークに移住。膨大な数の映画サウンドトラックを作曲し、ソロ作品やコラボレーション作品を数多く手がけた。彼の作品は、ドビュッシーやモーリス・ラヴェルなどの印象派を中心としたクラシック音楽、クロスオーバー、アヴァンギャルド音楽、テクノ・ポップ、ダブ、ミニマル・ミュージック、ニューウェーブ、ジャズ、民族音楽（ガムラン、沖縄民謡、日本、中国、韓国、アフリカの伝統音楽）、ハウス・ミュージック、ヒップホップ、ポップ・ミュージック（J-POP）、アンビエント、ボサノヴァ、エレクトロニカ、ドローンからポスト・クラシック音楽まで、さまざまなジャンル、テイスト、スタイルを持つ。洗練されたクラシカル・メソッドと卓越したメロディー・センスが、それらをミックスして形にしているのが彼の特徴だ。亡くなるまで、常に新しい音楽、永遠の音楽を追求してきた。多くのアートプロジェクト、書籍の出版、政治的なメッセージ、テレビ、ラジオ、雑誌、アートブック、アートボックス、インターネットなど、メディアにおける膨大な活動を行った。
RIP 坂本龍一
電子音楽のパイオニアであり、洗練された作曲家であり、とてもクールでスタイリッシュなミュージシャンであり、ミュージシャンでありながら熱心な読書家であり、広い心を持った人でした。
ソロ・アルバム
千のナイフ（日本コロムビア、1978年）
「千のナイフ」は坂本龍一のソロ・デビュー・アルバムで、1978年に録音・発売された。
一曲目の「千のナイフ」の賛美歌、レゲエ、ハービー・ハンコックの「スピーク・ライク・ア・チャイルド」などに影響を受けている。リード・シンセサイザーによるテーマとメロディーがとてもクールだ。パッド、コード・バッキング、リード・シンセサイザー、エレクトロニック・パーカッションが幾重にも重なるアレンジも見事な仕上がりだ。後半は、日本のトップ・ジャズ・ギタリスト、渡辺香津美の歪んだエレキ・ギターがハードにプレイする。
「Island of Wood」は、実験的なアンビエントまたは環境音楽のトラックだ。シンセサイザーが抽象的なシンセのシーケンス、フレーズ、ノイズによって、自然の具体的な音、動物の鳴き声、環境を模倣している。
「Grasshopper」は、高橋悠治のピアノをフィーチャーした、ユニークでキュートな3拍子と6拍子の曲。坂本によるシンセサイザーとピアノがピアノに寄り添い、交差する。
「Das Neue Japanische Elektronische Volkslied」と「Plastic Bamboo」はスローテンポのアジアンテイストのインスト・シンセ・ポップ。
「The End of Asia」は「Thousand Knives」と同じミドルテンポのシンセ・ポップ・インスト曲。しかし、この曲はよりグルーヴィーで、アレンジもダイナミックで、クロスオーバー・ジャズの要素もある。後半は、ギタリストの渡辺香津美がハード・ロックのような歪みまくったハード・プレイ・ギターを聴かせる。
このアルバムは、イエロー・マジック・オーケストラの原型のひとつである。「千のナイフ」と「The End of Asia」はYMOのライヴ・レパートリーになる。
B-2 UNIT（アルファレコード、1980年）
「B-2 UNIT」は坂本龍一の2枚目のソロアルバム。レコーディングは東京とロンドンで行われた。ロンドンでのレコーディングでは、デニス・ボヴェルがプロデューサーを務めた。
「Differencia」は実験的なノングルービーのドラム・サンプル・ループ・トラック。
「Thatness and Thereness」は、坂本がヴォーカルをとるスローでミステリアスなシンセ・ポップ・ヴォーカル曲。シンセサイザーのシーケンス、ベース、ボーカルで始まる。そしてシンセリード、パッド、ピアノが続く。歌詞は抽象的で、60年代の学生運動で起きた事件のシチュエーションを描いている。
「Participation Mystique」は、スネアドラム、バスドラム、シンセサイザーのリードフレーズが非常に大胆で、そこに女性のヴォイスサンプルが乗るというニューウェーブな曲。
「E-3A」は、ガムランのサンプル・ループとエレクトロニック・パーカッションをフィーチャーした、実験的でアブストラクトなアジアンテイストのトラック。
「Iconic Storage」はシンセサイザーのバッキング、パッド、大胆なベースと電子パーカッションで構成された実験的なエレクトロニック・ミュージック。しかし、洗練されたユニークなハーモニーとコード進行がある。
「Riot in Lagos」はこのアルバムを代表する有名な曲だ。印象的なシンセサイザーのリード・テーマ、大胆なダブ・ベース、エレクトロニック・ドラムをフィーチャーしたシンセ・ポップ、あるいはテクノ・ポップのインストゥルメンタルで、アジア的なテイストもある。この曲はイエロー・マジック・オーケストラ（YMO）のレパートリーのひとつとなった。
「Not the 6’clock News」は、非常に抽象的で実験的なサウンド・コラージュ・トラック。BBCの6時ニュース、ガムランの鐘、シンセサイザーのパルス、ノイジーなシンセサイザーのシーケンス、インポロヴィゼーショナルなシンセサイザーのソロなど、カットアップされ変調されたボイス・サンプルで構成されている。
「The End of Europe」は「The End of Asia」のアンサーソングかもしれない。ノイジーでアブストラクトな非リズム・トラックは、シンセサイザーのリード、大胆なベース、シンセサイザーやサンプルによるノイズで構成されている。
シンセ・ポップ、ニューウェイヴ、ダブ、実験的電子音楽、サウンド・コラージュの要素を取り入れた 「アンチYMO」アプローチの実験的アルバム。そして、驚くほど最新で、斬新かつクールな音楽でもある。
左うでの夢（アルファ・レコード、1981年）
1981年にリリースされたポップで実験的なニューウェイヴ、シンセ・ポップ・アルバム。デヴィッド・シルヴィアンのバンド、ジャパンやトーキング・ヘッズのようなニュー・ウェイヴのテイストがあり、シンセ・ポップやテクノ・ポップ、ダブ、実験的な電子音楽、コンクリート・ミュージック、アジアの民族音楽の要素もある。
「ぼくのかけら」は実験的なオリエンタル・テイストのインストゥルメンタル・トラック。そして抽象的なシンセサイザーのシーケンスとリード、サックスが続く。
「サルとユキとゴミのこども」は、明るく楽観的で愉快な童謡のようなニューウェイヴ・ヴォーカル曲。
「かちゃくちゃねぇ」は、坂本のヴォーカルによるミステリアスでアブストラクトなシンセ・ポップ。後半はハードなドラム・パートが続き、曲を活性化させる。
「The Garden of Poppies」は実験的で抽象的なエレクトロニック・ミュージック。大胆なスネアドラムのループで始まる。エイドリアン・ベリューのシンセサイザー・リフ、抽象的に歪んだギターのロング・トーン・ストロークとその反映が続く。最後は鋭いギター・ソロが曲を締めくくる。
「Relâché」は、大胆なエレクトロニック・ドラムとファンキーなシンセサイザーをベースにしたインストゥルメンタル・シンセ・ポップ。
「Tell’em to Me」は、ベルやガムランの銅鑼のループをフィーチャーした陰鬱なニューウェーブ・ソング。
「Living in the Dark」は、イギリスのニュー・ウェイヴ・バンド、ジャパンのようなミステリアスなニュー・ウェイヴ・ソング。細野晴臣と高橋幸宏によるシンセのリード・ソロとコーラス・パートが印象的だ。
「Slat Dance」は、電子ドラムとパーカッションで構成されたアブストラクトなエレクトロニック・ミュージック。不協和音シンセサイザーの即興ソロが続く。
「Venezia」は、このアルバムで最も印象的な曲だ。ヴォーカル入りのシンプルで素朴、そしてストレートで美しいニュー・ウェイヴ・ソングだ。そしてそこには、坂本を象徴するハーモニーとコード進行がある。
「サルの家」は実験的なサウンド・コラージュ・トラックだ。グルービーではない電子パーカッションから始まり、猿のうなり声のサンプル、ジャングルの環境音が続く。
音楽図鑑（MIDI、1984年）
「音楽図鑑」は、坂本龍一の4枚目のソロ・アルバムであり、初のフル・グランド・アルバムである。
「Tibetan Dance」は、中国やアジアンテイストをテーマにしたシンセサイザーによるインスト・ポップ。
「ETUDE」は、サックスとトランペットをフィーチャーし、4つのパートでリズムパターンを変化させる、音楽学習用のインスト・ポップ・ソング。
「Paradise Lost」はインストゥルメンタルのエレクトロニック・ミュージック。鈴のサンプルによるアジアンテイストのテーマ、レゲエのようなビート、ピアノとパッドによる洗練されたメロディとコード進行。
「Self Portrait」はクリアで明るく爽やかなインスト・シンセ・ポップ。
「旅の極北」は明るく洗練されたエレクトロニック・ミュージック。繊細なシンセ・パッドのコード伴奏がとても良い。
「M.A.Y. in the Backyard」はユニークでポップなコンテンポラリー・クラシック。ヴィブラフォンとマリンバのアルペジオ・サンプルで始まる。テーマ・パートでは、オーケストラのヒット・サンプルとピアノが鋭く鋭く鳴り響く。スティーブ・ライヒの音楽を連想させるが、ここには坂本のオリジナルな要素がある。
「羽根の林で」は、ガムラン・パターンのような鈴の音が印象的な坂本のヴォーカルが印象的なスロー・ポップス。
また、「森の人」はミステリアスで浮遊感のあるヴォーカル・ポップ。
「A Tribute to N.J.P.」はミニマルな現代クラシック音楽。清水康之のテナーサックスとピアノが奏でるテーマやモチーフが印象的で、非国民的なアジアンテイストもある。
「Replica」は、シンセサイザーのパッドとエレクトロニック・パーカッションによるアブストラクトなトラック。
「Ma Mère l’Oye」は、モーリス・ラヴェルの同名曲のタイトルを引用した坂本独自のスタイルのマザーグース。箏、グロッケンシュピール、ギターのサンプリングが伴う。あ、あ、あ、あ、あ、あ、あ」という歌詞のない子供たちのコーラスがテーマとメロディーを歌う。
「きみについて」は、キュートでファニー、そして上質なヴォーカル・ポップ・ソングだ。坂本のヴォーカルは、矢野顕子の娘、坂本美雨のことを歌っている。
音楽には様々なスタイルがある。フェアライトCMI、シーケンシャル・サーキッツProphet-5、ヤマハDX7など、当時の最新サウンドと坂本美雨の天才的な実力を聴くことができる。
Comica（ワーナーミュージック・ジャパン、2002年）
荘厳なオペラ作品「LIFE」とは対照的に、「Comica」は抽象的で実験的なアンビエント、ドローン、エレクトロニカ・アルバムであり、坂本の象徴的なエレガントで霧のようなシーケンシャル・サーキッツProphet-5、KORG Trinity、あるいはあらゆるシンセサイザーのパッド・トーンが特徴である。
「Dawn」はこのアルバムの中で最も上質で洗練されたトラックで、坂本の象徴的なエレガントなパッド・コードとピアノのフレーズで始まる。何層にも重なるパッド、ダブ・モジュレーションされたコンガ・ヒット、エレクトロニック・サウンド・エフェクト、グロッケンシュピールやビブラフォンのフレーズが続く。
「Day」は、電子音、パーカッシブなノイズ、環境ノイズを伴った、減衰または補強されたコード・パッド・シーケンスで構成されている。曖昧でランダムなピアノの即興演奏が続く。
「Sunset」は、ソフトなキーン・パッドとエレクトロニック・シーケンスがベース。ピアノのコード・バッキングはほとんどない。
「Night」は、変調されたアンビエンス・ノイズ・サンプル、曖昧なパッド、不協和音の即興ピアノ。
「d2」は、曇ったような鋭敏なパッド・コードと、日本の伝統音楽 “雅楽 “を連想させる鈴の音のトラック。
「Radical Fashion」は、エフェクトによって全体が変調されたパッド・コードで構成され、動物のうなり声のようなサウンドになっている。
Elephantism (ワーナーミュージック・ジャパン, 2002)
「エレファンティズム」は、の坂本龍一のソロ・アルバムであり、日本の文化雑誌「ソトコト」のケニア訪問プロジェクトのためのコンセプト・アルバムである。タイトルの “イズム・オブ・エレファント “とは、坂本による造語であり、アフリカの象たちによる平和な暮らしや、共に生きる道を学ぶという意味だろう。
“Embassy”は、パッド・コードと即興的な断片的ピアノによるシンプルなアンビエント・トラック。
“Elephantism”もシンプルなパッドと断片的なピアノを重ねたアンビエント・トラック。
“Elmolo Dance”はアフリカン・ドラムのトラックで、サンプル・ボイスと人々の歌声、ディジュリドゥとシンセ・パッドのコード。
“Great Africa”はアフリカンテイストの80年代風シンセポップで、人々のコーラスが特徴。ファンキーで大胆なシンセサイザーのベースが印象的。
“Serenity”はアフリカの木管楽器とパーカッション、ピアノとパッドの抽象的で静寂なサウンド・コラージュ。
“Masai Dance”は、マサイの人々の歌声のサンプルと、坂本を象徴するピアノとパッドのコラージュ。
“Mpata”は、カリンバのサンプル・シーケンス、即興的な断片的ピアノ、女性の声のサンプル、変調された石のひび割れのノイズで構成されている。
“Elephant Dance”はこのアルバムのメインであり、壮大な作品である。アフリカの撥（ハープ）楽器のバッキングから始まり、滑らかなシンセ・パッドがメロディーを奏でる。そこに攻撃的なシンセサイザーのシーケンスとプラックのシーケンスが乗る。最後はパッドとピアノがフレーズを奏で、曲を締めくくる。
“Elephantism 9″は、鋭いシンセサイザーの反射をベースに、アフリカン・パーカッション・シークエンス、環境音や電子音が続く。
“Masai Children”は、子供たちの歌声、ハンドクラップ、テープノイズをコラージュしたトラック。
タイトルやコンセプトとは裏腹に、このアルバムは繊細で静かで洗練された作品であり、ほとんどリズムのないトラックである。
このアルバムは、アフリカの民族音楽を借りているだけでなく、それを敬意を持って解釈し、デジタル技術と坂本の音楽技法によって再構築したものだ。(しかし、私はどこか坂本のアジア的なテイストも感じる。）
out of noise (commmons, 2009)
“out of noise”は、坂本龍一の18枚目のソロ・スタジオ・アルバム。前作”CHASM”のような坂本らしいポップさはなく、ソロアルバムとしてはシリアスかつ実験的な内容となっている。
1曲目の”hibari”は、シンプルなピアノのフレーズをルーパーやPro ToolsなどのDAWを駆使してコラージュしたもの。
“hiwt”は弦楽四重奏とシンセサイザーのためのミニマルで悲愴な曲。
“still life”は、弦楽四重奏をベースに、断片的な即興ピアノと和楽器の笙を加えた曲。
“firewater”は大胆でノイジーなパッドとその反射がミニマルなトラック、
“disko”、”ice”、”gracier”は、グリーンランドで録音されたサンプルを使った「北極圏三部作」。”disko”はアトモスフェリックな、あるいはパッドをベースにしたトラックにギターのプラックを加えたもの。”ice”は実験的な曲。北極圏の氷が崩れて飛び散る音と断片的なフレーズは、モジュラー・シンセサイザーで作られたものだろう。そして坂本の象徴的なパッド・コードが続き、曲を締めくくる。”gracier”は、水のせせらぎ、深いベースのシンセサイザー、LFO変調されたシンセサイザーのフレーズ、そして氷が砕けたノイズがランダムなリズムを加える。
“to stanford”は、日本の女性ポップ・アーティスト、コトリンゴによるピアノ曲。穏やかで少しメランコリックなピアノ・ソロ曲。
“composition 0919″は、ミニマルなエフェクトをかけたピアノ・コラージュ曲。スティーブ・ライヒの「ピアノ・フェイズ」を思い出す。
このアルバムは、2000年代のエレクトロニカ、アンビエント、ポスト・クラシカルに深く影響を受けている。また、フェネス、アルヴァ・ノト、クリストファー・ウィリッツといったエレクトロニカやアンビエントのアーティストとのコラボレーションの成果でもある。”アウト・オブ・ノイズ “を標榜する彼は、善悪を超えた、音色、音、空間としての音楽とその素材の純粋なアイデアを真剣に、繊細に追求した。このアルバムには、高度に洗練され、磨き上げられた音楽的存在、あるいは何かが確かに存在している。
async (commmons, 2017)
“async”は坂本龍一による19枚目のソロ・スタジオ・アルバムであり、本格的なアルバムとしてはこれが事実上、最後となる。アルバムのコンセプトは「リズムのない音楽」と「永遠に鳴り続ける音色」。そしてこのアルバムは、今日のポスト・クラシカルやドローン・ミュージックから多大な影響を受けている。
“andata”は、J.S.バッハのようなピアノとオルガンのテーマをフィーチャーした悲愴な曲。そしてモジュラー・シンセサイザーとエフェクターによる風の音のようなノイズが幾重にも重なる。
“solari”は、シンセサイザーのパッドがコラールのようなコンポジションを奏でる。
“zure”は、シンセサイザーのバッキング、電子クラーベ、電子ノイズのコラージュで、異なるビートでシンクしている。
“walker”は、シンセサイザー・パッドのコードをベースにしたエンドレスな曲で、砂や草や何かがくっついたようなノイズが入る。
“stakra”はミニマルなシンセのアルペジオ・ループの曲。ミステリアスでメカニカル、そして1980年代の私の子供時代のノスタルジックな感覚がある。
“ubi”は、彼の象徴的なメランコリックなピアノ曲に、エレクトロニック・パーカッション、パッド、ノイズがフィーチャーされている。
タイトル曲の”async”は、ポリリズムのエスニックなパーカッションのコラージュで、BTTB（1998）の”sonata”に似ている。
“life, life”はパッド・コードにエレクトロニック・パーカッション・パターンとナレーションで構成された曲。
“honji”は、日本の伝統楽器である三味線、笙のロングトーン、雨、電子音とその反射の断片的なコラージュである。
“ff”は、シンセサイザーの高音と中音の和音とソロの即興演奏と、ベルのような楽器が奏でるゆったりとしたパターンで構成された曲。
“garden”は、1つか2つのパッドのハーモニーの即興演奏とその反射音とフィルターノイズだけで構成されたミニマルな曲。生命の意志と力を感じる。
このアルバムには、死への恐怖、生きようとする意志、永遠への希求、人間への慈悲、そして平凡な人生へのムードがある。坂本は無神論的な仏教徒だったが、このアルバムにはキリスト教のテイストを感じた。
私はこのアルバムのコンセプトである「リズムのない音楽」が理解できない。彼はニューエイジ・ミュージックとコンテンポラリー・ピアニストのリズム・マスターである。このアルバムからは、彼のリズムへの感性とこだわりを感じた。”async”というコンセプトは、却って、世の中にある様々な要素、素材、物事のシンク（sync）になっていくことなのかもしれない。
12 (commmons, 2023)
「12』は、2023年1月17日にリリースされた坂本龍一のニューアルバム。12曲のシンセサイザー・パッド・ソロ、ピアノ・ソロ、シンセサイザー・パッド、ノイズとピアノの組み合わせで構成されている。2曲を除き、アブストラクトでミニマルな楽曲が即興で演奏されている。20220302 – sarabande “と “20220302 “だけが、彼独特の洗練されたピアノ曲で、エリック・サティ、モーリス・ラヴェル、クロード・ドビュッシーなど、彼の音楽の原点に影響を受けている。
高音も低音もEQでカットされていない。そのため、大胆で、ノイズやクリップ、部屋の反射音などが入っているが、荒々しく、生々しく、生き生きとしている。坂本の息づかい、タッチ、ソウルを聴くことができる。
私はこのアルバムから、世界に人生の足跡を残そうとする坂本の意志を感じ、聴くことができる。
リソースとリンク
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